Investigación Collage,trampaojo y PROPUESTA Stop Motion

Collage

El collage consiste en ensamblar elementos diversos en un tono unificado, ya sea en pintura,como en música, cine,o literatura. Se discute si fue primero en usarlo Picasso ó Georges Braque,ambos cubistas.Sea como sea, después de ellos numerosos artistas empezaron a introducir en sus pinturas recortes de diarios o revistas, etiquetas de licores o tabacos, y diversos tipos de papeles coloreados.

Básicamente un collage, es una técnica artística consistente en el pegado de diversos materiales, planos o 3D, sobre un soporte que puede ser madera, cartón, papel, lienzo,...y que puede ser pintado o no.

El origen de la técnica del collage (del francés coller que significa pegar) data de 1912, cuando Picasso y Braque comienzan a experimentar con otros materiales sobre el lienzo, como recortes de papel pegados sobre el mismo dentro de su etapa cubista que viene a romper con la tradición pictórica.Pablo Picasso en su obra "Naturaleza muerta con silla de rejilla", pone de manifiesto el uso de dicha técnica.

Podemos encontrar artistas muy interesantes en la rama del collage, como por ejemplo Chambliss Giobbi, quien realiza collages figurativos, de objetos de mutación psicológica y física.


Lynn Skordall,realiza el proceso forma tradicional, tijeras, pegamento y mucha imaginación.



Barry Kite, dota sus collages con anécdotas y parodias sociales y políticas.

Antecesores: Siluetas , Forma y Fondo.

Una silueta es la imagen de una persona, animal, objeto o escena representada como una forma sólida de un solo color, generalmente negro, con sus bordes que coinciden con el contorno del sujeto.Contorno de una figura.Forma que ofrece a la vista un cuerpo más oscuro que el fondo. Figura de una persona o cosa.Contorno de la sombra de un cuerpo.Línea de delimita el contorno de una figura. El interior de una silueta no tiene rasgos, y el conjunto se presenta típicamente sobre un fondo claro, generalmente blanco, o ninguno en absoluto. La silueta difiere de un contorno, que representa el borde de un objeto en forma lineal, mientras que una silueta aparece como una forma sólida. Las imágenes de silueta se pueden crear en cualquier medio artístico visual, pero primero se usaron para describir trozos de papel cortado, que luego se pegaron a un respaldo en un color de contraste y, a menudo, se enmarcaron.

Los retratos de corte, generalmente de perfil, de la tarjeta negra se hicieron populares a mediados del siglo XVIII, aunque el término silueta rara vez se usó hasta las primeras décadas del siglo XIX, y la tradición ha continuado bajo este nombre hasta el siglo XXI. Representaban una alternativa barata pero efectiva a la miniatura de retrato, y los artistas especializados podían cortar un retrato de busto de alta calidad, el estilo más común, en cuestión de minutos, trabajando puramente a simple vista. Otros artistas, especialmente de alrededor de 1790, dibujaron un boceto en papel y luego lo pintaron, lo que podría ser igualmente rápido.A partir de su significado gráfico original, el término silueta se ha ampliado para describir la vista o la representación de una persona, un objeto o una escena que se retroilumina, y aparece oscura sobre un fondo más claro. Cualquier cosa que aparezca de esta manera, por ejemplo, una figura de pie iluminada en una puerta, puede describirse como “en silueta”. Debido a que una silueta enfatiza el contorno, la palabra también se ha utilizado en los campos de la moda y la aptitud para describir la forma del cuerpo de una persona o la forma creada al usar prendas de un estilo o período en particular.

Desde finales del siglo XVIII, los artistas silueta también han hecho pequeñas escenas cortadas de una tarjeta y montadas sobre un fondo contrastante como los retratos. Estas imágenes, conocidas como “recortes de papel”, eran a menudo, pero no necesariamente, imágenes de silueta. Entre los artistas del siglo 19 para trabajar de esta manera fue el autor Hans Christian Andersen. El artista moderno Robert Ryan crea intrincadas imágenes con esta técnica, a veces usándolas para producir serigrafías.

Muchos fotógrafos usan la técnica de fotografiar personas, objetos o elementos del paisaje contra la luz, para lograr una imagen en silueta. La luz de fondo puede ser natural, como un cielo nublado o abierto, niebla o niebla, puesta de sol o una puerta abierta (una técnica conocida como contre-jour), o puede ser ideada en un estudio; ver iluminación de bajo perfil. La silueteado requiere que la exposición se ajuste de modo que no haya detalles (subexposición) dentro del elemento de silueta deseado, y sobreexposición para que el fondo lo haga brillante; por lo que una relación de iluminación de 16: 1 o superior es la ideal. El sistema de zona fue una ayuda para los fotógrafos de cine en lograr las proporciones de exposición requeridas. La película de alto contraste, el ajuste del desarrollo de la película y / o el papel fotográfico de alto contraste se pueden usar en la fotografía basada en químicos para mejorar el efecto en el cuarto oscuro. Con el procesamiento digital, el contraste puede mejorarse mediante la manipulación de la curva de contraste de la imagen.

Figura y fondo:Figura y fondo mantienen una extraña relación. A veces la figura se convierte en fondo y el fondo en figura. Como en esta imagen de Rubin, donde el fondo, de ser nada, se convierte en una copa o en dos rostros que se miran, según adónde dirijamos la mirada. O también, sin intención alguna, no podemos evitar ver la copa o las caras.

La percepción es un proceso dinámico. Nos movemos por el campo visual. Porque nuestra vista abarca un campo bastante amplio, pero de él solo vemos con nitidez y en colores una parte muy pequeña. Por eso nuestro ojo se mueve continuamente, de manera automática. Y el cerebro compone con esos fragmentos un collage aún más amplio, nítido, en colores y en 3 dimensiones. Todo ello virtualmente, como si nuestro ojo realmente lo estuviese viendo. De toda esa escena, el cerebro recorta y extrae en un momento dado la figura que llama su atención. Y, por otro lado, mantiene de alguna manera el fondo, como escenario del viaje que está realizando con su mirada.

Figura: Se llama así a aquellos elementos que destacan en la composición.
Fondo: Todo aquello que no es figura.
Fuente " Léxico técnico de las artes plásticas", Irene Crespi y Jorge Ferrario.

https://www.youtube.com/watch?v=MJfeUSAdSno Video acerca de La figura y el fondo.

Trampaojo

La maravillosa palabra «trampantojo» nace de querer adoptar el trompe-l’œil (‘engaña el ojo’) francés y acabar condensando la frase «trampa ante el ojo». Se trata de un término que sirve para denominar el arte pictórico cuyo objetivo es engañar al espectador fabricando una ilusión que dinamite la percepción de la superficie plana. El duelo entre Parrasio y Zeuxis puede tener tanto de mito como uno quiera creer, pero su mención en las páginas de Plinio confirma que en el mundo del arte ya existían en aquellos tiempos al menos dos artistas expertos en maquinar trampantojos. La ilusión debe adaptarse al lugar que habita y los cuadros que jueguen a estos engaños necesitan conocer de antemano el lugar donde van a ser colgados, pero también a qué altura, posición y con qué tipo de iluminación para que la artimaña funcione. Y en el caso de los frescos murales las pinceladas tratarán de mimetizarse con el entorno a base de perspectivas que desplieguen caminos tridimensionales hacia mundos que no existen. Otros campos creativos sin pinceles implicados, como por ejemplo la arquitectura, también suelen recurrir al trampantojo en ocasiones, y el concepto ni siquiera vive atado a una época o lugar particular porque, desde aquel rifirrafe en tierras griegas hasta la actualidad, la historia está salpicada de este tipo de prestidigitaciones artísticas.

Huyendo de la crítica (1874) de Pere Borrell del Caso es una de las obras más señaladas a la hora de hablar de engaños visuales, y la culpa de ello la tiene el atreverse a retratar a un niño en una postura muy poco usual: intentando huir del propio lienzo. Borrell del Caso logró una ilusión efectiva a base de tirar de maña dibujando cuerpos tridimensionales y sobre todo de utilizar el muy ingenioso recurso de pintar también el marco del cuadro para simular que la criatura lo rebasa con cara de espanto. Una ocurrencia fabulosa que permitía al niño protagonista superar físicamente la única barrera existente entre la pintura y el público.

Podemos hablar también del Manierismo, cuando los elementos principales del Renacimiento empezaban a entrar en crisis, el manierismo significó un progresivo abandono de la proporción de las figuras, de la perspectiva espacial, del uso de líneas claras y definidas y de las expresiones mesuradas y dulces de los personajes renacentistas.

Por ello para muchos, el manierismo es un período de transición entre el arte renacentista y el arte barroco de los siglos siguientes.

El concepto de maniera significaba un saber hacer,y además sin esforzarse demasiado por hacerlo. Una sofisticación, por así decirlo, pues se trata de un arte exclusivo de la corte.

El arte manierista se caracteriza en general por su virtuosismo, su artificiosidad y al fin por comenzar un libre diálogo entre forma y significado,entre el estilo y el tema. Si, en buena parte como el arte contemporáneo actual.

Inclusive podemos encontrar el "trampaojo"  en la  repostería.

https://www.youtube.com/watch?v=jcq2cwqMbjg

Enlace de video interesante que muestra variedad de repostería realista, una forma de engañar al ojo.

Propuesta de obra: Stop Motion

¿Qué es?, es una técnica de animación que consiste en aparentar el movimiento de objetos estáticos por medio de una serie de imágenes fijas sucesivas.

Se puede utilizar cualquier material: muñecos maleables, objetos sólidos, incluso personas físicas.

En cada foto que se tome tiene que haber una pequeña modificación para realizar el movimiento, cuanto más pequeña sea esa modificación, más realista será la animación.

Existen 2 grandes variantes de animación Stop Motion: la realizada con materiales maleables, y la realizada con objetos rígidos.

Es necesario que para que la imagen tenga vida,ésta debe llevar por lo menos 24 imágenes por segundo.

Para esto además deberé pensar previamente en una historia,describir sus elementos más importantes,preparar escenografía,personajes,y todos los elementos necesarios para la grabación.

Mi propuesta es la historia sobre un duende, el cual se encuentra mal física como psicológicamente en los posibles últimos momentos de su vida.

Dentro de la cosmovisión del mundo de los duendes existen seres que van en busca de ellos cuando no estarán más en el plano físico,estos podrían ser llamados dioses, y en esta oportunidad uno de ellos va en busca del duende protagonista, el cual al tener contacto con el , se sumerge en lo más profundo de sus pensamientos.

"Todo está llamado a romperse y debemos hacer cosas nuevas con los restos".

Para realizar este proyecto , he investigado los pasos a seguir para poder llevar a cabo un stop motion:

1-Seleccionar una cámara, puede ser la del celular o cualquier otra.

2-Instalar  un software de stop motion, o cualquier otra aplicación que permita la conexión de imágenes y sonidos al mismo tiempo.

3-Buscar objetos o figuras con las cuales trabajar para la película o corto.

4-Escribir el guión de lo que quieres retratar.

5-Buscar una iluminación constante.

6- Organizar las escenas.

7-Instalar la cámara, con buen soporte para que nada esté fuera de su lugar.

8-Tomar fotografías e ir probando con el enfoque e ilumincación.

9-Utilizar la aplicación o software para ir uniendo las imagenes, editarlas si se requiere e implementar sonidos.

10-Guardar el proyecto.

Conceptos importantes 

Fragmentación

En el arte se entiende como la ruptura de la jerarquía en una unidad,en este caso la obra es la separación de las partes para dar significado al contenido y ser interpretado de diferentes formas según la percepción y el punto de vista del receptor.

En el diseño y la arquitectura es algo similar, en esta última se toman fragmentos o partes de una estructura que al combinarlas forman una nueva y se usan formas diferentes para construir todo.

 También a nivel de concepto varía el fragmento como un estudio de una o mas partes; podría ser un detalle a otra escala o dimensionar un detalle para crear una nueva forma.




                                                      Anamorfosis

 Pintura o dibujo que ofrece a la vista una imagen deforme y confusa, o regular y acabada , según desde donde se le mire.

Es un uso particular de leyes de la perspectiva en la pintura, que hacen de la anamorfosis una técnica que consigue crear una ilusión óptica usando los conocimientos de las matemáticas, proporción, dibujo y la perspectiva.

Dicha técnica es un efecto utilizado en el arte, para representar elementos distorsionados sobre una superficie plana o curva, en donde sólo cobran sentido cuando se mira desde un punto de vista específico, es decir, que para que la forma aparezca compacta, clara y proporcionada, es necesario que el espectador se coloque en un determinado punto del lugar.

Dicho de otras palabras esta técnica ingeniosa de perspectiva, requiere verse desde un ángulo especial o verla reflejada en un espejo curvo, para que la distorsión desaparezca y la imagen en la pintura resulte normal.

Distorsión

Una distorsión, puede ser un desequilibrio o una desproporción en la percepción o la interpretación de los hechos.